Conférence au Game Camp 2018 par Marion Not de Ubisoft Annecy.

Cette conférence parle plutôt d'un retour d'expérience sur le développement du jeu STEEP.

Marion est programmeuse gameplay chez Ubisoft depuis 2012. Auparavant elle a travaillé chez Eugen System.

L'histoire de STEEP

Ubisoft Annecy avait déjà bossé sur des jeux style Splinter cell, Assassin's Creed ou encore The Division mais STEEP a été leur tout premier jeu réalisé de A à Z au studio d'Annecy.

Durant le développement ils ont eu des moments de doutes et ont fait des erreurs mais au final ils ont appris des tas de choses.

STEEP est un jeu de sport extrême en open world.

Ils n'ont pas voulu faire un jeu d'arcade mais plutôt un jeu type open world / bac à sable pour que chaque joueur puisse avoir plusieurs expériences.
Comme à Annecy ils font du snowboard tout l'hiver ils voulaient faire une petite ode à la montagne.

Dans STEEP il y a deux types de contenu :

• Les challenges
  Ce sont des objectifs clairs, c'est compétitif et il y une boucle de gameplay fermée.
• Les missions aussi appelées "Mountain Stories"
  Le but était d'amener quelque chose plus contemplatif avec des scénarios, sans réel objectif.

Pour ces deux types, côté code ils ont fait du code totalement séparé.

Les missions

On ne va parler que des missions, pour celles-ci ils ont réutilisé l'outil "MissionEditor" de Assassin's Creed car il semblait bien s'adapter à leurs missions, mais au final :

• Aucun développeur ne connaissait l'outil
• C'est un outil très très très gros
• L'outil n'a pas été pensé pour des Level Designer il n'est pas accessible pour eux
• C'est un outil permettant de gérer plusieurs missions en même temps or, dans STEEP, ils n'ont qu'une mission à la fois, il a donc fallu modifier cet éditeur qu'ils ne connaissaient pas.

Ce que les joueurs ont dit des missions :

• "Elles ne sont pas nécessaires mais marrantes"
• "C'était bizarre"
• "Ah ça amène autre chose c'est cool"

Il n'y avait pas de rétention sur les missions et d'un autre côté les challenges manquaient un peu de narration.

Ils ont donc décidé de sortir deux DLC dont un pack de challenge scénarisés qui contenait des cinématiques, des scénarios, etc... Au final les challenges ressemblent aux missions.

Leur DLC suivant, un mode histoire, leur a fait rajouter pleins de choses à l'éditeur de missions.

C'était leur 3ème DLC en 1 an.

Post mortem

Après 1 an de vie, quelle est la situation ?

C'est difficile, l'éditeur de missions est linéaire or les missions de STEEP ne le sont pas.
Ils ont fait énormément de code jetable / spaghetti car à chaque problème ils codaient une solution au lieu de trouver des solutions à plusieurs problèmes en même temps.
Les challenges ont commencés à converger vers les missions mais ils ne pouvaient pas réutiliser du code car ils étaient partis sur deux bases totalement différentes. Ils ont donc dû tout dupliquer.

Conclusion

• Il faut maîtriser sa dette technique. Les développeurs vont souvent demander à faire des refacto, et des fois il faut les écouter. Car un code qui devrait prendre 2 jours, fini par prendre 2 semaines dans du code pas adapté.
• Il faut savoir abandonner une solution technique. Dans leur cas, est-ce qu'ils ont bien fait d'utiliser le "MissionEditor" ?
• Vous devez penser votre jeu comme un tout. Dans STEEP ils n'auraient jamais dû dé-corréler les missions et les challenges. Il faut essayer de faire un seul jeu.
• Les développeurs doivent anticiper leurs features pour voir ce qu'ils peuvent utiliser comme base commune.
• Il ne faut pas oublier les designers et essayer d'anticiper leurs besoins afin de pouvoir leur fournir les outils nécessaires (avec une interface user friendly).
• Suivre la production et prendre le temps de s'asseoir derrière un Game Designer pendant une heure pour regarder comment il utilise vos outils et le temps que lui prenne chaque tâche vous permettra d'apprendre énormément et de vous rendre compte que vos outils ne sont pas utilisés de la même manière qu'ils ont été conçus. 

Conférence au Game Camp 2018 par Nicolas Cannasse de Shiro Games.

Son parcours

Co-fondateur à l'origine du studio Motion Twin, il a en 2005 crée la technologie open source Haxe et Haxe Foundation, qu'il utilise depuis sur l'ensemble de ses projets.

Il a quitté Motion Twin afin de créer Shiro Games.

Il a essayé de réunir des profils différents, car il existe différents types de développeurs.

Par exemple, si vous donnez une boîte avec pleins de boutons à un développeur :

• l'artiste va commencer par appuyer sur un bouton et regarder ce qu'il se passe. Il va ensuite essayer de comprendre ce que fait la boîte dans le but ultime de s'en servir et pourquoi pas de la dépasser.
• l'ingénieur va aussi expérimenter mais il va directement essayé de comprendre le fonctionnement, puis il va la démonter dans le but ultime de l'améliorer.

Dans une équipe vous avez besoin à la fois d'artistes et d'ingénieurs.

L'importance des outils dans un studio

Elle est vitale car :

• Il y a peut-être de bonnes idées de jeu mais si à la fin on n'arrive pas à exécuter nos idées correctement, l'idée ne vaudra rien. Les outils vont aider à l'exécution des idées.
  Exemple : pour monter un meuble Ikea, si vous avez besoin d'un tournevis et que vous n'en avez pas vous ne pourrez pas continuer.
  
• Quand on développe ses propres outils, en cas de bug on maitrîse notre outil et on peut ainsi facilement corriger. On peut ajouter toutes les features que l'on souhaite.

Si actuellement vous n'avez personne pour faire des outils dans votre équipe il faudrait quelqu'un. Cela permettra à l'équipe de fonctionner de manière optimale.

Les erreurs à éviter

Quand on fait son outil il faut faire attention à ces différents points :

• On avance sur les outils au lieu d'avancer sur le jeu, et on termine par devoir faire un outil pour l'outil.
  
• On fait un outil tellement instable et rempli de bugs qu'il devient inutilisable. Quand on s'engage dans un outil il y a une certaine quantité de travail à faire pour qu'il soit utilisable.
  
• Le syndrome de l'"horrible user interface" : à force d'ajouter des features sans réflexion global on finit par avoir des trucs dans tous les sens.

L'outil doit servir le jeu et non pas l'inverse.
Il va servir d'échange entre votre gamecode/script/engine et les parties bas niveau.

Différents types d'outils

Votre outil produit des données et votre jeu les consomme.

Il faut que vos données soient orientées collaboration car vos outils doivent permettre d'éviter les aller-retour. Donc plus votre outil sera ouvert aux autres métiers (GD/LD/Dev/Art) plus votre outil sera utile.

Vos données doivent être lisibles pour voir ce que fait l'outil et pour à la fin obtenir une histoire de données. Vous pourrez ainsi merge vos données dans Git et garder un historique / backup de vos données.

Le format de données est donc très important, à Shiro Games ils utilisent le JSON.

• Les outils de runtime

Avec ces outils, il faut faire attention aux performances et ne pas hésiter à faire du cache.

Ce type d'outil n'est pas lié à un jeu, il est développé pour être utilisé quelque soit le projet.
Il devient agréable car plus on l'utilise plus on le maitrise mais il faut faire attention aux outils trop génériques.

Il vaut donc mieux partir d'abord sur un outil spécifique et ensuite, lors d'un nouveau projet, voir les différences. Si il a 25% de différences, alors il vaut mieux dupliquer l'outil et faire un spécifique au nouveau projet. Sinon vous pouvez enrechir l'outil initial.

À Shiro Games ils ont mis en place un outil open source de Static Database (Castel DB) qui permet à tout le monde de lire / d'écrire des données mais le jeu ne pourra y accéder qu'en lecture.

Les langages

Au niveau des langages il y a pour chaque partie son bon niveau de code.

Engine : C++
Outils : C#
Gamecode : C#
Contenu : Lua

A Shiro Games ils utilisent du coup leur techno, le Haxe, car c'est un langage qu'ils peuvent compiler vers des levels plus ou moins haut.

Engine : Haxe C/C++
Outils : Haxe JS
Gamecode : Haxe
Contenu : HScript

Le time to play

Le time to play c'est le temps à partir duquel je peux voir mes changements en jeu.

Pour le réduire il faut :

• Optimiser les temps de chargement
• Avoir un live reload pour les données
• Une option CTRL+S pour enregistrer l'état actuel du jeu
• Un cheatcode pour passer les menus
• Avoir une compilation rapide

Ce n'est pas spécialement le temps gagné qui est important mais c'est l'attention / le focus du développeur car quand on doit attendre qu'une tâche se termine, on va faire autre chose en attendant et on va perdre notre attention.

L'Open source

L'industrie est de plus en plus tourné vers l'Open Source mais le secteur du Jeux vidéo est encore très en retard. Pourtant l'Open source permet la modification du code, la collaboration et la compétition entre les différentes équipes.

Les conseils de la fin

• Toujours se poser les bonnes questions
• Aller voir les jeux / outils des autres pour savoir si c'est une bonne idée, les erreurs qu'il faut éviter, etc...
• Discuter de nos outils avec le plus de personnes de notre équipe
• Ne pas hésiter lorsqu'on a pris la décision de créer un outil d'aller au bout de notre idée.

Conférence au Game Camp 2018 par Florent de Grissac de Casus Ludi.

Je ne suis pas tout à fait d'accord avec l'ensemble des propos de cette conférence, mais je vous la transcrit de façon objective ^^.

Qu'est-ce qu'un biais ?

Il y a plus de 150 biais identifiés qui influencent nos comportements sociaux et notre culture.

Par exemple, la culture occidentale :
Elle commence à l'Antiquité puis se poursuit avec le Christianisme et enfin la colonisation. Ensuite on commence à voir comme un progrès la science et la modernité pour enfin arriver au consumérisme, notre société de consommation actuelle.

Les valeurs de notre culture sont :

• l'individualisme
• l'hétérosexualité (même si c'est en train de changer)
• le patriarcat (en train de changer également)
• le matérialisme
• le sécularisme
• la modernité considéré comme le progrès

En lisant ces valeurs, vous vous dites probablement "Non ce n'est pas moi, je ne suis pas comme ça". Tout le monde dit ça, pourtant au fond de nous ce sont les valeurs avec lesquelles on a grandi. Ces valeurs vont évolués de plus en plus grâce à l'éducation.


Le problème est qu'on n'est pas toujours conscient de nos biais. Le fait de les connaître ne nous protègent pas. Harvard a d'ailleurs fait un site très intéressant où il faut répondre au tac au tac à des questions et on va vite se rendre qu'inconsciemment on a fait des biais : https://implicit.harvard.edu/implicit/selectatest.html

Des exemples de biais, en France :

• Les inégalités salariales
• Les inégalités d'accès à l'emploi
• L'élitisme social
• Le partage des taches ménagères

et dans l'industrie du jeux vidéo on n'a que 15% de femmes.

Le jeu vidéo, la culture du futur

Les jeux vidéo sont des produits culturels et ils sont généralement en phase avec notre culture, soit :

• Le consumérisme
• Le matérialisme
• L'hédonisme

On est les produits de notre culture et en tant que développeur on va concevoir des produits culturels grâce auxquels on va façonner notre culture.

On voit des différences, notamment côté marketing. Avant les pubs de jeux vidéo ciblaient la famille, maintenant ils ciblent les adolescents pré-pubères.
On va y intégrer du sang, de la sueur et du sexe à cause de cette pression culturelle.

Le jeu vidéo et la réalité virtuelle c'est le futur et qu'est-ce qu'on fait avec ces technologies ? On les utilisent pour mettre des armes dans les mains des joueurs afin qu'ils tuent le plus de personnes possible.

Bien sûr certains font d'autres choses avec ces techno mais c'est en immense minorité.

On se retrouve également avec des archétypes comme héros tel qu'un homme blanc, mal rasé, baraqué et qui ne pleurs jamais. Est-ce que vous vous reconnaissez dans ce personnage là ? Non. Alors pourquoi continuer de faire des personnages comme celui-ci ?

On le voit également hors du jeu vidéo, dans l'éducation. Les hommes se forcent, pour certains, à aller dans les filières scientifiques et les femmes, elles, n'y vont pas se sentant trop faibles.

Pourquoi oppose-t-on toujours individualisme et violence dans les jeux vidéo et non pas altruisme et attention ?
Dans la vraie vie les gens ne font pas ça, ils ne sont pas individualiste pour survivre. L'Humain essaie de faire survivre le groupe, de s'entraider.

Il faudrait peut-être réfléchir à faire autre chose dans les jeux vidéo, il faut essayer de dé-biaiser tout ça en identifiant les biais et en essayant de les contourner.

Ça permettrait de :

• toucher un public plus large
• mieux maîtriser les critiques 
• être en phase avec sa production

Où sont les biais ? Partout ! Que ce soit le sexisme, le racisme, la représentation de personnes excessivement beaux, etc...

Google s'est rendu compte de ça et  a mit en place dans leur processus RH, un moyen de recruter des personnes différentes (d'un point de vue genre, culture, politique, sexe, ...) pour avoir plus de diversité au sein de leurs équipes et ainsi mieux identifier leurs biais.

Comment identifier les biais ?

• Le test de bechdel
  On vérifie dans notre jeu vidéo qu'au moins deux femmes ont un prénom et qu'elles parlent d'autre chose que d'un garçon. Ce test fonctionne aussi pour la sexualité ou la culture.
  
• La substitution des sujets
  Si vous changez le sujet (en passant d'un homme à une femme et vice versa) est-ce que votre scénario est toujours crédible ? Dans ce cas soit l'écriture est mal faite, soit le rôle n'est pas assumé.
  
• Le reflective diaries
  Ça consiste à documenter votre démarche de production. Vous devez faire un journal de bord sur votre jeu, ou votre histoire, en écrivant la réflexion derrière vos choix. Google a trouvé que le simple fait d'écrire notre réflexion permet d'éviter certains biais inconscients.
  
• Les tests communautaires
  C'est la façon la plus simple et évidente d'identifier des biais. Vous devez soumettre votre jeu / scénario à un panel de personnes ayant une culture différente de la votre, une autre couleur de peau, d'autres idéologies. En les confrontant à votre travail, vous pourrez voir si ils sont touchés / heurtés par quelque chose qui vous ne vous gênais pas.

En évitant les biais, on aura ainsi des jeux plus construits, moins prévisibles et la chance de construire la culture de demain.

Jeux vidéo et culture sont intrinsèquement liés. Si on détruit le jeu la culture n'existe plus.

Conférence au Game Camp 2018 par Florie Buecheler de PROJEKT RED.

Au jour d'aujourd'hui, ce sont les réseaux sociaux qui dominent en matière de communication et il y a beaucoup de concurrence. Il devient de plus en plus compliqué de faire sortir nos messages du lot.

Généralement on se précipite pour créer son support de comm et une fois qu'il est crée vient la question du "Qu'est ce que je fais maintenant ?" ou encore "Qu'est ce que j'écris comme contenu ?"

Il faut avoir une stratégie !

Pour avoir une communication authentique et saine, ça va prendre un peu de temps. Notamment car il faudra nous faire connaître (se faire un nom) et intéresser les gens. Mais tout ça ne sera possible qu'avec une base solide.

Florie est la Community Manager de The Witcher et de Cyberpunk. Elle est également auteur de fiction.

Les questions de base à se poser : Comment ? Pourquoi ? Quoi ?

• Pourquoi ?

La plupart du temps on a tendance à commencer par la question "Quoi ?" mais, Apple a proposé de penser différemment et de commencer par "Pourquoi ?" afin de donner du sens à la communication.

Pourquoi on a décidé de créer ce jeu là ?
Pourquoi on a un éditeur (ou non) ?
Pourquoi on a pris ces directions ?
Pourquoi ce modèle économique ?

Etc...

En répondant à ces question, il sera plus facile pour les joueurs d'accepter votre communication.

• Quoi ?

Quelles sont nos valeurs ?
Est-ce que notre jeu à un message à faire passer ?
Est-ce que notre équipe incarne une valeur ?
Est-ce que nous en tant que développeur on a des valeurs ?

Etc...

Le site web du studio pourra rassembler ces informations.

• Comment ?

(La première chose à fare sera de défiinir notre identité, et de réfléchir en tant qu'authenticité et non d'originalité.)

Comment montrer de l'authenticité ?
(En montrant simplement des visages humains, en répondant à notre communauté pour créer des liens, en les intégrant à notre production.)

Qu'apportez-vous à votre audience ?

On a tendance à souvent se demander "Qu'est ce que ça me rapporte ?" mais si on veut réellement intéresser les joueurs il faut plutôt se demander "Pourquoi ils s'intéresseraient à notre studio ?".

Il faut toujours garder en tête lorsqu'on publie quelque chose "Pourquoi ça intéresserait quelqu'un de savoir ça ? Pourquoi cette personne s'abonnerait suite à cette publication ? Est ce que, si je ne connais pas le studio / le jeu, ce statut va m'intéresser ?".

Un exemple de publications possibles :

• Montrer les coulisses de travail
• Parler de nos inspirations culturelles
• Mettre en avant notre processus créatif
• Afficher nos méthodes de travail ou d'organisation
• Informer des évolutions d'un jeu en développement
• Faire un live pour voir un artiste travailler

Un exemple à ne pas faire :
Ecrire un tweet "*beep*". Ca, ça ne marche que si le studio a déjà fait un jeu appelé The Witcher.

Les obstacles

• Vous devez faire attention à créer une communication cohérente. Si vous vous créez une identité façon Lovecraft et qu'à la fin votre jeu n'est pas du tout dans cette ambiance, vos fans seront déçus voire mécontent.
  Beaucoup de personnes commettent cette erreur (je pense notamment à "Watch dogs", le jeu n'était pas à la hauteur de la communication et ce fut donc à la communication de payer les pots cassés).
  Faites donc attention à ne pas sur-vendre ou juste mal-vendre votre jeu.
  
  En fiction, au lieu de dire que Paul est intelligent, on va montrer, par ses actions, qu'il est intelligent. On peut appliquer ce même principe pour annoncer notre jeu.
  
• Essayer de communiquer moins mais mieux. Il faut d'abord définir le temps qu'on compte dédier à la communication et ensuite faire une sélection de canaux. Si on essaye d'être sur tous les fronts on va bâcler les publications et le plus important pour tenir en haleine nos joueurs est une communication de qualité.

Les canaux qui existent

• Facebook
  Son avantage : Il y a énormément de monde.
  
• Twitter
  Son avantage : Il y a tous les professionnels.
  
• Discord
  Son avantage : Il permet d'avoir un système de forum sans avoir besoin de le gérer.
  
• Reddit
  Son avantage : C'est un canal spécifique au jeu vidéo
  
• Medium
  Son avantage : C'est un mélange entre un blog et un réseau social

Pour chaque canal, il faut prendre le temps de le comprendre et d'analyser le public qui s'y trouve.

Par exemple, sur Facebook, lorsqu'on publie une photo, si on la publie dans un album on va également faire remonter la visibilité de l'album entier.
Sur Twitter, la mode est de détourner les # du moment.

Le conseil de la fin

C'est toujours intéressant de regarder les canaux d'un "concurrent" vous pourrez ainsi voir sur quel canal il cartonne.

Conférence au Game Camp 2018 par Etienne Pov de Shiro Games.

Conférence au Game Camp 2018 de FibreTigre.

Ou comment licencier votre écrivain et son énorme melon.

Vous êtes créateur de jeux vidéo et vous avez sous traité vos textes à des écrivains mais ce serait bien qu'ils fassent moins de choses ?

Un auteur ça sert à quoi ?

Généralement il va mettre en place un environnement narratif.
Il peut également, grâce à son travail de documentation préliminaire, donner de la substance de gameplay.

Dans le jeu "80 Days" ils n'ont pas vraiment fait attention à la quantité de textes et se sont retrouvés au final avec plus de 500 000 mots. Autant dire beaucoup trop. Il faut donc se donner une limite de mot dans notre jeu car plus on va être généreux en mots plus la traduction va nous coûter cher et être dur à rentabiliser.

L'intérêt du texte

Le texte marche plutôt bien pour faire passer des sentiments. Et l'avantage c'est que si on se plante on n'a qu'à le re-ecrire. Alors qu'une image il faudra la changer entièrement.

Le texte peut également faire office d'interface de sens. Exemple dans "Ancient Domains of Mystery", en fonction de ce que l'on choisit comme caractéristiques pour notre personnage un texte généré lui créé un background.

En France on a tendance à écrire tout à l'infinitif, ce qui rend finalement très neutre les intéractions avec notre personnage.

Pourquoi pas utiliser du passé simple ? Du futur ? Du plus que parfait ?

En anglais on a un lien beaucoup plus proche avec notre personnage.

Des techniques procédurales

1. La combinatoire
   
   Une phrase simple "Bonjour l'orc" est en fait plus complexe car en fonction de si il fait jour ou nuit on remplacera "Bonjour" par "Bonsoir". Également le terme "l'orc" sera différent si vous avez choisi un personnage d'une autre classe.
   
   Ce procédé donne beaucoup de possibilités avec peu de matériaux de base. Ça donne également une impression de personnalisation au joueur.
   
   Il faut tout de même faire attention à la faiblesse scénariste qui peut en découler.
2. La technique Shéhérazade
   
   Le concept ? Avec 300 histoires vous pouvez faire 10000 histoires.
   
   Ça paraît absurde mais en fait, votre joueur, une fois qu'il a fait la 300ème histoire, si vous lui remettez la 1ère il ne se rappelera pas l'avoir déjà faite.
   
   Il faut faire attention cette fois ci à ne pas faire de contenu trop intéressant (si l'histoire était trop sympa, le joueur risque de se rappeler l'avoir déjà faite). Idem si vous faites des histoires dans des univers différents le joueur risque de se rappeler d'une histoire dans le Far West ^^.
3. Le turbo Shéhérazade
   
   En faisant des textes à trous on peut démultiplier les histoires sans grand coût. Un livre, Eureka, résume, d'après eux, l'ensemble des histoires du monde entier grâce à leurs textes à trous autour de 30 thèmes.
4. L'IA Deep Learning
   
   L'IA Deep Learning est une technologie récente et facile d'accès. C'est un robot qui va vous donnez du texte aléatoirement sur un sujet précis.
   
   C'est très sympa notamment pour les paroles de PNJ.
   
   En pratique : vous devez fournir au robot une quantité de texte sur le sujet en question. Mais plusieurs problèmes surviennent :
   
   - Il faut nourrir le robot avec plus de 3 milliards de mots (une quantité énorme donc)
   - On ne maîtrise pas le texte que générera le robot. Par exemple, en essayant de le nourrir avec du texte datant de 1950 le robot tenait des propos sexistes et racistes.
   - On ne peut pas traduire le texte généré, si on veut faire du multilingue il faudra de nouveau lui donner 3 milliards de mots dans la langue désirée.
   - Au final financer un écrivain ce n'est pas si cher ^^

On est dans une génération où l'expérience de jeu on la vit souvent sur Youtube / Steam. Pour faire un jeu qui va se vendre il faut que les joueurs qui regarde leur streamer se disent "C'est bien j'ai envie d'acheter le jeu". Si le jeu n'a que des expériences uniques, le joueur ne pourra pas revivre ce qu'a vécu son streamer et il risque d'être déçu. Le Deep learning doit donc être pris à double tranchant.

De plus, quand on joue à un jeu vidéo, on aime se dire "pourquoi cet objet a été posé là ?" car on sait qu'il a été posé par un humain. Mais avec le procédurale on a une vacuité

Y a un accès ou quand on joue à un jeu vidéo, on se dit chaque chose a été posé par un humain. Ça nous touche. Alors que dans les jeux full procéduraux on a une vacuité de l'infini.

Prenez l'amour procédural, ça a l'air révolutionnaire sur le papier. Mais au final c'est déprimant, car les mots écrits ne sont pas réellement pensé, or l'amour vient des émotions qu'on met en choisissant nos mots.

Game design multijoueur comme substitut au procédural

Prenez un MMO classique, imaginez que vous achetez un meuble, une belle commode. Que vous entreposez dans votre maison.

Maintenant on va générer à la volée une mission, dans une guilde adverse, dont le but est de voler votre fameux meuble.

Des individus viennent donc voler votre meuble.

Vous décidez de le racheter, mais cette fois-ci, vous mettez des pièges un peu partout dans la maison et vous vous cachez pour attendre le voleur.

Votre joueur vient de créer sa propre brique de gameplay.

Voici 3 règles pour créer un jeu qui utilise ces principes multijoueurs :

1. On enregistre tout ce que fait le joueur (y compris si il s'accroupit par exemple)
2. A chaque fois qu'il y a un nombre aléatoire dans notre jeu, il faut se demander comment on peut transformer cette valeur par une interaction multijoueur.
3. A chaque intervention de l'écrivain nous demandez "Est-il vraiment utile ici de raconter quelque chose ?"

Pour le speaker c'est le saint Graal de l'environnement narratif.


Attention à pas tomber dans le Crowdsourcing où le joueur créé tout et finalement les développeurs ne font plus rien.

Conclusion

On peut avec le procédural, revisiter et sublimer les classiques.
On pourrait par exemple faire des point-and-click sans solutions.
Les gens qui préfèrent regarder un streamer faire un point-and-click plutôt qu'y jouer pourront maintenant jouer à l'infini malgré tout.

Mais il faut néanmoins faire attention au full procédurale.

Conférence au Game Camp 2018 par Erwan Le Breton d'Ubisoft.

Les points importants pour vérifier que son projet est cohérent et intéressant.

Avoir un mandat

• Le Triangle de production

Dans le triangle de production qu'est ce qu'on vise en priorité ?
Le gain de temps, le moins d'argent, ..

• La position de notre produit

Quelle est la position de notre jeu ?
C'est-à-dire quel est son genre, son public, son business model, ...

• Notre stratégie 

Quel est l'objectif de ce projet ? Est ce qu'on veut faire un jeu hyper rentable ou est ce qu'on veut prendre des parts dans un milieu qu'on n'a pas, etc...


Un exemple avec Warcraft IV :

1. Triangle de production
   
   Qualité : super important
   Argent : on s'en fiche car on en a plein
   Temps : on essaye de pas trop prendre de temps
   
2. Position
   
   Un RTS
   Triple A
   Exclusif sur PC
   Pegi 12
   
3. Stratégie
   
   Rester le leader du marché du RTS
   Pénétrer le marché chinois
   

La structure

• L'équipe de développement 

Quels sont les profils des gens avec qui vous travaillez ?
Comment mieux travailler ensemble ?

• L'environnement technique

Quels sont nos contraintes ?
Quels tools on va utiliser ?

• Production

Comment on travaille ?
Qui valide, quand et quoi ?

La marque

• Nos pilliers 

Dans quel monde ça se passe ?
Quels sont nos personnages ?
Quels sont les valeurs de notre studio ?
Quels sont nos références ?

• Nos signatures

C'est ce qui va identifier notre marque, ça peut-être quelque chose de visuel, auditif, du gameplay ou encore du narratif (exemple : des répliques cultes)

• A faire et ne pas faire

Quelles sont nos guidelines ?
Comment allons-nous encadrer la communication ?

L'USP

Quel est le sens de notre jeu ?
Qu'est ce que nous avons d'innovant ?
Quels sont nos plus-value ? (Des visuels HD, un membre de l'équipe famous, ...)




Une fois qu'on a tout ça on a le cadre, il faut ensuite hiérarchisé. Généralement le mieux est de hiérarchisé le contenu de cette façon :

1. Le monde
2. Le rôle du joueur dans le monde
3. Les systèmes liés au monde
4. Les mécaniques de gameplay qui en découle
5. Les props
6. L'histoire

Quelques questions que vous pouvez encore vous poser :
Quel sera le genre de votre jeu ?
Quel va être le ton de votre jeu ? Ça donne des pistes pour la DA, l'audio mais aussi pour les mécaniques de jeu.
Est ce qu'on rajoute une petite touche visuelle / musicale ?


Une fois ce grand tableau rempli, il nous reste plus qu'à nous demander :
Est ce que c'est pertinent ? Cohérent ? Intéressant ?

Evaluer la satisfaction du consommateur

Pour évaluer la satisfaction du consommateur on utilise la méthode Llosa.

Il y a 4 grandes catégories dans laquelle on va lister nos features :

• Must have
  C'est ce que vous devez absolument avoir pour que les joueurs soit un minimum enthousiaste. Si quelque chose de cette catégorie n'est pas dans le jeu final, on prendra le mur.
  Vous ne pouvez pas faire la feature à moitié, soit elle est développé, soit elle ne l'est pas. 
  
  Exemple : Est-ce que la tasse à café est propre ?
  Si oui, le client le boira sinon il ira se plaindre à la direction et ne reviendra plus jamais.
  
• Critique
  La dedans ce sont des features avec lesquelles vous aurez de plus grandes marges de manoeuvre. Vos features seront jugés positivement ou négativement mais ce ne sera pas la fin du monde pour autant.
  
  Exemple : Est-ce que le café a bon goût ?
  Si oui, vous le recommanderez à un ami, si non, boarf tant pis, vous ne reviendrez peut être pas.
  
• Differenciator
  Ce sont les éléments externe qui ajoute une plus-value. Si vous faites une suite, ce sont les éléments qui n'existaient pas auparavant.
  
  Exemple : Est-ce qu'il y avait un petit chocolat avec le café ?
  
• Neutral
  C'est des choses dont tous le monde se fout, des features qui n'apportent rien.
  
  Exemple : Est ce que ma tasse est de couleur rose ?

Conférence au Game Camp 2018 par Xavier Rosée de Off the Ground.

Comment acquérir des joueurs pour votre jeu mobile sans temps ni argent ?

Le plus simple c'est de filer son jeu à Voodoo (blague).

Xavier Rosée a travaillé auparavant dans des entreprises de tailles différentes. Il a décidé par la suite de monter une agence de solutions marketing pour les indépendants.

Sur les stores mobile (playStore, gameCenter et bien d'autres que Survous ne connaissez pas forcément) il y a énormément de concurrence. Pour un type de jeu, on va trouver plus de 200 clones.

La stratégie utilisé par tous actuellement consiste donc à soumettre son jeu et à attendre un featuring de Apple ou Google.

Mais une autre solution, en parallèle, est de faire une campagne d'acquisition.

Il faut faire attention car si vous faites appel à une entreprise, elle peut etre frauduleuse. Il y a enormement de fraude dans les boites de campagne d'acquisition (ils vous donnent des prix demesures pour un resultat vraiment moyen).

Pourtant, pour les petits budgets il y a une façon super simple de se lancer : utiliser Facebook et Google (et ils feront tout, tout seul). C'est pas mal comme solution car c'est vraiment simple à mettre en place. On peut choisir de personnaliser sa campagne mais generalement vous n'en aurez pas besoin (surtout que ça prend beaucoup de temps pour le coup).

Une campagne d'acquisition sur Facebook

Les règles pour réussir :

• Avoir un objectif clair
• Faire pour une campagne, un seul ad set par store (contrairement à ce que Facebook recommande)
• Avoir un "dynamic creative testing" au lieu d'upload une vidéo, une image et un texte. Le "dynamic creative testing" consiste à donner à Facebook un ensemble de créa et Facebook testera lui même différentes combinaisons et sélectionnera celle avec les meilleures résultats.
• Mettre des "daily budget" plutôt que des "campaign budget" (surtout si vous voulez acquérir des joueurs sur le long terme) car Facebook va avoir tendance à dépenser le "campaign budget" les 2 premiers jours du mois.
• Choisir des placements automatiques (Facebook utilisera tout ses slots de pub et gardera celui qui donnera les meilleures résultats).
• Mettre en place un tracking c'est super important. Ça vous permettra de savoir si votre campagne a marché. Il y a plusieurs outils gratuits (notamment celui de Facebook mais en contre partie vous filez toutes les données de votre jeu à Facebook) et d'autres outils payants.

Une campagne d'acquisition sur Google

Contrairement à Facebook il n'y a pas des masses d'options, par contre là vous aurez la main sur vos créas, vos enchères et votre budget. Le public cible sera moins précis que Facebook mais par contre votre pub sera sur search, le play store et appmod. Une très grosse visibilité en perspective donc.

Attention neanmoins car Google va se servir a la fois de vos créa et de celles sur vos pages Appstore/Playstore. Verifier donc avant de lancer votre campagne que les visuels de ces pages sont à jour.

Les trois formats indispensables sur Google pour les assets :

• 1200x628
• 320x480
• 300x50
• Et une vidéo youtube en 1080p/720p

Google va vous demander 4 phrases standalone qu'il mixera. Faites donc attention à ce que ces 4 phrases marchent bien ensemble quelque soit l'ordre.

Parlons budget !

Pour les budgets le mieux est de commencer par Facebook car c'est moins cher qu'une campagne Google.

Le budget par défaut est de :
1 installation à 1€ pour 50€ de budget.

Mais Xavier nous conseille de partir sur :
1 installation a 1€ pour 10€ de budget.

Ce sera une acquisition plus longue mais moins cher.


Pour optimiser notre campagne on peut, après quelques temps, retirer les pays où la campagne ne marche pas trop.

On peut aussi regarder si notre enchère n'est pas trop élevé ou trop basse et l'ajuster en fonction.

Enfin il faudra (sur Google) retirer les créas qui marchent pas bien (Facebook le fera automatiquement).

Les tips de la fin

1. Sur Facebook, une fois la campagne lancée, tu peux lui demander de changer de public cible et de choisir cette fois ci les personnes au même profil que les 10% de tes meilleures acquisitions. Ça permet d'optimiser le ciblage sur Facebook et c'est très puissant.
2. Dès que vous avez acquis pas mal de joueurs / de pubs, il faut commencer à embaucher quelqu'un en interne pour gérer tout ça.
3. Pour la première campagne Facebook, ça ne sert à rien de commencer avec un trop haut budget car au début Facebook va devoir apprendre, connaître les comportements du public vis à vis de vos pubs. Donc il vaut mieux commencer petit et dès que tout ça est acquis : monter le budget.

Conférence au Game Camp 2018 par Emeric Thoa de The Game Bakers.

Réussir un triple I

Si vous souhaitez réussir, le fait d'incarner un personnage, d'avoir des dialogues, et de mettre en place de l'interactivité enrichie vous aideront.

Concernant le public cible, vous n'êtes pas du tout obligé de viser le grand public, on peut tout à fait viser une niche.

Par contre, il faudra absolument éviter le "feature creep" c'est-à-dire éviter d'ajouter des milliards de features. Un Triple A peut se le permettre car il aura l'argent pour faire en sorte que chacune soit développer à la perfection et dans les temps. Mais pour un Triple I c'est se tirer une balle dans le pied.

L'histoire de Furi

Le studio The Game Bakers a essayé de trouver un hook pour leur nouveau jeu. Ils ont fouillé dans leur tiroir à idée et ont trouvé un pitch fort : un boss de 8h.

Dans les faits leur jeu Furi ne sera pas exactement comme ça à la fin mais ils sont partis de ce pitch pour l'enrichir.

Pour sortir leur jeu sur console et PC il leur fallait :

• Du temps
• Des connaissances
• De l'argent

Ils ont résolu le problème de l'argent grâce à leur petit jeu mobile "Combo crew" (un beat them all).
Lorsque Nickelodeon leur a proposé d'adapter ce jeu pour en faire une version Tortue Ninja. Ils ont d'abord refusé puis ils se sont rendu compte que c'est ce qui leur permettrait de financer en partie le développement de Furi, ils ont donc finalement accepté le deal.

Pour le temps, ce n'est pas réellement un soucis, ils n'ont pas de deadline à proprement parlé pour le sortir.

Il ne leur manquait donc plus que la connaissance.

Pour le chara design ils voulaient s'inspirer des design japonais, ils ont donc commencé à chercher des contacts, envoyer des mails et faire des call Skype.

Takashi Okazaki (le créateur d'Afro Samouraï) était partant, ils ont donc fait un test pour être sûr que ça collait bien. Ils lui ont fait faire des sketch qui se sont avérés vraiment super.
L'essentiel du travail avec lui s'est fait à distance.

Ils ont ensuite cherché un artiste VFX ce qui n'était pas facile car il n'y en a pas beaucoup sur le marché mais ils ont fini par trouver.

Pour la musique ils voulaient de l'électro afin de mettre le joueur dans cette ambiance de tension.
L'artiste qu'ils souhaitaient vraiment était Carpenter Brut qui leur a dit "pourquoi pas". Suite à ça il leur a envoyé une première petite boucle très sympa.

Avoir une signature audio était vraiment important, cette soundtrack a permis de motiver d'autres personnes à rejoindre le projet.

Une fois leur équipe réunie, ils ont fait un "Fake Game Footer", une sorte de prototype du jeu mais réalisé exclusivement sur Maya, sans code, servant à montrer les enchaînements du personnage et les positions de la caméra.

Par la suite ils ont enchaîné sur la réalisation d'une vidéo de démonstration, sans code encore une fois, réalisé uniquement grâce aux artistes et avant même que le jeu existe.

La démo était vraiment très très proche du résultat final du jeu.
Pour la réaliser cela a nécessité 4 personnes pendant 5 mois.

Pourquoi ce Fake game footage ?

Le bémol c'est que cette méthode fonctionne bien pour un jeu pas innovant niveau mécanisme. Si on a des mécaniques un peu particulières ce sera plus intéressant de commencer par un prototype (en code).


Ils ont donc pitché leur projet auprès des éditeurs et dès qu'ils en avaient occasion ils se déplaçaient en personne pour montrer leur motivation.
Le soucis c'est que chaque éditeur leur a donné un feedback différent sur le jeu donc c'était assez perturbant.

Finalement ils ont obtenu un deal de Sony qui leur permettait d'être entièrement libre sur le contenu du jeu en échange de quoi (oui c'est rare un éditeur qui ne veut pas mettre son grain de sel pour tout changer) Sony financerait une partie du projet mais le jeu serait par la suite gratuit sur le PSPlus. Ca signifie qu'ils n'auraient quasiment pas de revenus sur PS4, c'est donc un assez gros Trade Of.

Conclusion

Ils ne s'étaient pas trop trompé sur l'estimation du budget et leur jeu était break even en l'espace de 6 mois.

La recette du triple I

1. Un pitch fort
2. Un twist gameplay
3. Des personnages inoubliables
4. Une DA unique
5. Des musiques exceptionnelles
6. Un scope super contrôlé
7. Une qualité d'exécution et de polish

Avant les éditeurs ne savaient pas trop reconnaître un Triple I du coup ils avaient tendance à ne pas croire en le succès potentiel des jeux. Mais dorénavant les éditeurs connaissent la recette et reconnaissent un triple I.

Conférence au Game Camp 2018 par Maxime Rouquet de Asmodee Digital.

Pourquoi Asmodee Digital est passé du physique au numérique ?

L'entreprise a déjà à son actif plus de 800 jeux de société, ces jeux ont entre 10, 20 et 30 ans et continuent malgré tout de se vendre année après année.

Après avoir racheté Days of Wonder en 2014,  un éditeur de jeux de société qui avait l'habitude de sortir une version numérique de ses jeux, ils se sont dit qu'il y avait clairement un marché à prendre.

Quand ils ont commencé à sortir des jeux numériques ils ont vu une augmentation sur les ventes de leurs jeux physiques.

Quel est le ou les avantages des jeux numériques ?

Dans un jeu de société, on ne peut que définir les règles via un support papier. Alors que sur support numérique on peut faire un tutoriel, mettre le joueur en situation et ainsi lui permettre de mieux comprendre le jeu.

Cela permet aussi aux joueurs de jouer à des jeux multijoueur en solo, grâce à la mise en place d'IA.



Après avoir réalisé quelques études, ils ont découvert que la plupart des gens préféraient, en majorité, soit un support mixte, soit un support numérique.


Maintenant ils envisagent sérieusement de développer des jeux sur console.
Sur PC ou mobile on est tout seul devant son écran, ce qui est embêtant pour des jeux de société multijoueurs. Sur console, on peut retrouver le côté familiale.
Ils avaient déjà essayé quelques années auparavant mais ce n'était pas vraiment le moment. Le public n'était pas au rendez-vous.

Maintenant, avec la sortie de la Switch, le public est là. L'avantage de cette console c'est quelle est à la fois nomade et multijoueurs, les joueurs pourraient donc l'emmener partout pour jouer à leurs jeux de société préférés.

Le problème des portages sur console, c'est les objectifs cachés des joueurs. Généralement le joueur a une main personnel qui est caché des autres joueurs. Si on porte le jeu sur console, toutes les données seront à l'écran et donc impossible de faire une main cachée.

Enfin, impossible jusqu'à ce que Sony annonce un dispositif appelé "PlayLink". Le principe ? Votre téléphone est connecté à votre console et sert en quelque sorte de manette personnelle.

On peut donc avoir le plateau de jeu sur l'écran télé, et chaque joueur a sur son téléphone sa main personnelle, cachée des autres joueurs.

Quelques conseils pour viser plusieurs supports

1. Mettre en place de l'intégration continue dans votre jeu, par exemple grâce à l'outil Jenkins. Cela vous permettra de tester rapidement différentes versions de votre jeu et différentes plateformes.
   
2. Utiliser des technologies libres et des standards ouverts (exemple : du C++, OpenGL, Cocos2d-x). Cela va vous permettre d'avoir un moteur pérenne et évolutif.
   
3. Essayer de penser de manière modulaire pour ne pas avoir besoin de tout re-coder lorsque vous switcherez sur une device plus petite. (exemple : sur console on ne mettra pas de boutons dans l'interface, il faudra les repenser).

Externalisation du développement

Adapter un jeu sur console

Quelques derniers conseils ?